Si la peinture de portrait a eu ses heures de gloire dans les siècles passés, l’arrivée de la photo et plus généralement des appareils photos intégrés à nos smartphones ont eu raison des palettes de peintures… Mais quelque soit la technique employée, il subsiste toujours cet attrait irrémédiable pour l’autoportrait. Appelons le aussi selfie, c’est à la fois presque pareil et complètement différent. Même les meilleurs appareils photos de smartphones introduisent d’étranges déformations sur les visages selfisés, instagramés , facebouqués…(et ça concerne toutes les tranches d’age !).
L’autoportrait hypnotise, il est notre miroir digéré, déformé par des filtres improbables. Pourtant cet exercice aujourd’hui à la portée de tous était plutôt l’apanage des artistes. Seul leur œil et leurs compétences étaient capables de retranscrire l’implacable image du miroir… Il nous reste donc ces autoportraits d’artistes, reflets de personnalités autant que de leurs arts.
Petit tour de quelques autoportraits célèbres
Revenons à une époque où il était (souvent) impossible d’avoir une image figée de soi par un appareil photo ou un smartphone. L’artiste devait donc utiliser un miroir et même parfois user de stratagèmes pour trouver des postures et des mises en scène spécifiques pour ses réalisations d’autoportrait. Ce qui nous intéresse dans ces autoportraits c’est justement que se ne sont pas des « selfies », l’artiste y intègre des éléments qui lui sont propres. Qui appartiennent ou tout du moins qui représentent son univers.
Ce n’est pas seulement une image de soi, au sens photographique du terme, c’est un univers, une expression de soi. Que se soit avec des accessoires, des cadrages spécifiques, des couleurs, des mises en scènes (ou même l’absence de tout ça). Rien n’est laissé au hasard dans ces représentations. L’œil qui voit est celui de celui qui peint et qui regarde à la fois.
Le classicisme au service du challenge
On admirera le peintre Gustave Courbet avec cet autoportrait : car ses deux mains sont bien occupées. Or, pour faire cet autoportrait il avait forcément besoin d’au moins une main ! La plupart du temps les peintres se représentent en train… de peindre, puisque c’est l’action qu’ils voient dans le miroir à ce moment là 😉 Ou bien leurs mains sont cachées ou dans des poses assez peu dynamiques.
S’est il aidé d’un camarade ou d’un modèle prenant la pose ? Peu probable car alors on ne serait plus dans l’autoportrait 😉 Ou bien a-t-il pris une photo ? (dont les balbutiements commencent à cette même époque). Ou bien encore, a-t-il décomposé son mouvement pour pouvoir retranscrire cette improbable et incroyable posture d’une main puis de l’autre ? Je vous met au défi de faire un selfie en prenant cette pose !
Traits de génie
Un autoportrait présumé du génie Léonard de Vinci. Il est dit présumé car depuis quelques années, le fait d’un autoportrait est contesté. Le trait de dessin est bien celui du maître, mais le sujet est contésté. Léonard de Vinci est né en 1452 à Anchiano et décédé en 1519 à Amboise. Est ce que cette représentation peut correspondre à un homme d’une soixantaine d’années ? Ou bien c’est un jeu de crayon où il se serait vieilli les traits juste pour voir à quoi ressemblerait son visage dans le futur ? Ou peut-être encore s’agit-il d’une représentation de son père ?
En tout cas espérons que se soit bien lui, car cette image est devenue tellement iconique que notre inconscient collectif l’associe au portrait du célèbre maître….
Autoportraits d’artistes, la maestria du genre
Impossible de parler d’autoportraits d’artistes sans évoquer la maestria du genre : la peintre Mexicaine Frida Kahlo (1907-1954). Ses nombreux autoportraits retranscrivent bien son apparence physique (tout du moins l’image qu’elle souhaite représenter) mais aussi son registre intime et émotif.
Sur cet autoportrait de 1943, elle est entourée de quatre petits singes. A l’arrière, une plante tropicale la Strelitzia (ou oiseau de paradis) qui symbolise la joie, la beauté, l’excellence. Frida nous emmène peut être là dans un de ses rares petit coin de paradis, entourés de ses quatre « Fridos« *…
*« los fridos » sont quatre de ses étudiants de l’école de sculpture et d’architecture de Mexico qui lui sont restés fidèles et se sont faits appelés ainsi
L’insaisissable
Dans un tout autre style, le peintre flamand Albrecht Dürer (dont j’avais parlé dans cet article là) se représente ici de manière très particulière.
Note : remarquez la position des mains, il y en a une de cachée 😉
Cette représentation, le fait ressembler à une icône (voir l’image ci-dessous). Même le positionnement des écritures instaure la même solennité. Sa position frontale (la représentation à cette époque là est alors au portait en 3/4), le positionnement de la main, le choix des couleurs, et même la coupe de cheveux, le regard et les lèvres sont mis en place pour évoquer une représentation de peinture religieuse…
Et là, voici un autre autoportrait de Dürer (en 1493), environ 7 ans auparavant le portrait ci-dessus. Et derrière cette toile (située au Louvre) se trouve ce dessin là :
Qu’on appelle aussi « autoportrait à l’oreiller« . Dürer est alors âgé d’une vingtaine d’années…
Je trouve en tout cas, que le peintre ne manque pas d’humour, car un oreiller, tout moelleux est bien l’inverse du piquant d’un chardon. Peut être aussi un petit clin d’œil ? Car le chardon est ici le symbole de l’amour et de la fidélité conjugale.
L’impressionniste
Une autre femme peintre, Mary Cassatt (1844-1926), faisant partie du petit cercle des femmes peintres impressionnistes de l’époque (Lire aussi « Braquemond, femme artiste… »).
L’artiste peint cette œuvre en 1878, on notera là aussi une posture assez peu commode pour un auto-portrait ! Il semble y avoir un décalage entre le corps, peu travaillé, et le visage au contraire assez détaillé. L’expression de l’artiste est plutôt dans une posture concentrée, tendue. A contrario de la pause du corps, des épaules, qui semble être plus « désinvolte ». Ce qui accentue encore plus le contraste entre sa tête et son corps !
Le sage
Pas facile de reconnaître celui-ci parmi les autoportraits d’artistes célèbres ! Il s’agit pourtant d’Auguste Renoir, en 1910 « Autoportrait au chapeau blanc« . Le célèbre peintre très prolifique (plus de 4000 peintures au compteur!) aura souvent réalisé cet exercice tout au long de sa vie et de sa longue carrière. Carrière qui aura duré une soixantaine d’années.
J’aime beaucoup la simplicité et la douceur de cet autoportrait, probablement réalisé avec un jeu de miroirs, ou qui sait, peut être à partir d’une photographie ? La signature est sur la gauche et le peintre regarde vers la gauche.
Peut être en contraste avec cet autre autoportrait ci-dessous réalisé en 1875 ?
Sur cet autoportrait de début de carrière du peintre, Renoir regarde vers la droite du spectateur. Notons que la couleur de fond est sensiblement pareille. La touche de pinceau y est néanmoins plus rapide, plus contrastée, avec des tonalités plus froides et plus dures. La signature est sur la droite du tableau et le peintre pose un regard dur et déterminé vers son avenir…
Quand l’auto-portrait sert l’auto-dérision
On pourrait encore en écrire des paragraphes entiers tant le sujet est passionnant et les artistes assez prolifiques sur cet exercice de style !
Cet autoportrait de Norman Rockwell est plein d’humour et de clins d’œil. Il tranche avec les représentations assez classiques des autoportraits qu’on a pu voir au dessus où l’artiste se représente de face ou de 3/4, une seule fois et rarement en entier. L’artiste dans son miroir se voit à peine tant ses lunettes sont embuées, ses cheveux dans le reflet du miroir sont grisonnants. Sa représentation en homme frais et pimpant (la pipe haute) sur la grande toile blanche est donc tronquée. C’est bien grâce à toute cette mise en scène qui permet de comprendre l’auto-dérision dont l’artiste fait preuve ! Tout est en mouvement, un verre prêt à tomber, un immense miroir à peine posé en équilibre sur une chaise. Le peintre lui même dans une position tout à fait inconfortable et improbable pour peindre, même les petites roulettes de son chevalet semblent prêtes à glisser et à tout entraîner.
suite
La corbeille est prête à s’enflammer (référence à l’incendie de son propre atelier). Les pinceaux et les tubes de peinture par terre (non les pinceaux ne sont généralement pas par terre quand on peint !), un clin d’œil à sa maladresse ?
La réalité, équilibre précaire, fragile et instable devant le regard des « grands » autoportraits d’artistes épinglés sur un coin de sa toile. On y reconnaîtra bien entendu Dürer dont on a parlé juste avant. Puis Rembrandt célèbre pour ses très nombreux autoportraits en clair-obscur. Bien entendu l’inimitable Picasso, et Van Gogh dont nous parlerons juste après. Il y aurait beaucoup à dire encore. Le bras tendu avec le pinceau en l’air, le peintre n’a pas encore commencé à appliquer sa couleur puisqu’il s’agit d’un dessin réalisé au fusain ou à la mine de plomb. Mais ça ne ressemble pas du tout à une esquisse destinée pour une peinture, il y a beaucoup trop de détails. Encore une petite tromperie de l’artiste farceur ?
Je pense que Norman Rockwell nous livre là, son interprétation de l’autoportrait de l’artiste. Tout n’est qu’une mise en scène, où l’artiste est pris en flagrant délit de -géniale- imposture !
Autoportraits d’artistes : le tourmenté
Pour clore ce chapitre, un autre artiste féru de cet exercice est le peintre Vincent Van Gogh (1853-1890) qui s’est auto-représenté une quarantaine de fois. Les représentations sont assez « figées », le cadre reste sensiblement le même. Mais le style se construit, s’affirme, on assiste à la naissance du peintre tourmenté et lumineux à la fois à travers cet exercice de style répété tout au long de sa carrière.
Petit paradoxe (?), le peintre aura fait de nombreux portraits où il aura introduit d’autres éléments propres à la personnalité du sujet peint. Des fleurs, des étoiles… Contrairement à ses auto-portraits tout en sobriété.
Pour aller plus loin sur les autoportraits d’artistes
A lire : L’autoportrait par Nathalie Rudd
« De l’autobiographie authentique à la fabrication de mythes et au travestissement, l’autoportrait a le pouvoir de capturer l’imagination, la capacité d’éclairer les préoccupations de l’artiste. À travers sept siècles d’autoportrait, Natalie Rudd examine les contextes historiques de réalisation et questionne de nouvelles perspectives sur la signification de l’autoportrait aujourd’hui. Elle propose un nouveau regard international sur ce genre résilient avec des commentaires éclairants sur les oeuvres d’artistes allant de Michel-Ange, Rembrandt et Gustave Courbet à Frida Kahlo, Cindy Sherman et Mona Hatoum. Grâce à son texte curieux et captivant… » Lire la suite
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Source : www.eyrolles.com
Article suivant à lire : Quand les artistes se tirent le portrait !
Et pour finir, un petit interlude musical pour une nouvelle année qui commence.
Pour terminer cet article, je vous propose un petit interlude musical. Il n’est pas du tout en lien avec les autoportraits d’artistes !
C’est une reprise de Brassens (Je me suis fait tout petit) interprétée par Leïla and The Koalas – BRASSENS ENCORE . Le clip a été tourné aux Musées des Beaux-Arts de Rennes en immersion avec l’exposition de KULATA TJUTA (œuvres d’artistes australiens) en octobre 2020. Une très belle alliance entre le visuel et le sonore (tous est beau, les couleurs, le chant, la musique). Merci les artistes !
Enjoy et belle année 2022 !
Sources :
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Leonardo_self.jpg?uselang=fr
https://fr.wikipedia.org/wiki/Christ_pantocrator
https://fr.wikipedia.org/wiki/Autoportrait_(D%C3%BCrer,_Munich)
https://fr.wikipedia.org/wiki/Autoportraits_de_Van_Gogh
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